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El arte conceptual, a menudo conocido como conceptualismo, es un arte en el que la idea o concepto subyacente es más relevante que el producto final. Los artistas conceptuales crearon obras y escritos entre mediados de la década de 1960 y mediados de la década de 1970 que rechazaban fundamentalmente las nociones convencionales del arte.

Para transmitir sus ideas, los artistas conceptuales eligieron los medios y formatos que les funcionaban mejor. Esto condujo a una amplia variedad de obras de arte que podrían parecerse a cualquier cosa, desde actuaciones hasta escritura y objetos cotidianos. Los artistas utilizaron sistemas, estructuras y procesos invisibles, así como elementos mentales lingüísticos, matemáticos y orientados a procesos, para investigar las posibilidades del arte como concepto y el arte como conocimiento. Algunas piezas de arte conceptual, también conocidas como instalaciones, pueden ser creadas por cualquier persona simplemente de acuerdo con un conjunto de instrucciones escritas.

La cuestión de la capacidad artística es una distinción clave entre el arte conceptual y los tipos más "convencionales" de creación artística. Aunque la experiencia en el uso de los medios tradicionales con frecuencia juega un papel menor en el arte conceptual, es difícil afirmar que los trabajos conceptuales siempre carecen de talento o que la habilidad no es necesaria para crearlos.

Los orígenes del Arte Conceptual

Es ampliamente conocido que Marcel Duchamp fundó el arte conceptual. Aunque el término "arte conceptual" no se acuñó hasta la década de 1960, las raíces del movimiento se pueden encontrar en 1917, cuando Marcel Duchamp compró un urinario en una tienda de plomería y lo presentó como escultura en una exposición de escultura abierta en Nueva York. El jurado descalificó la obra porque pensó que era inmoral y no la aceptaría como arte. Duchamp abrió el camino para el arte conceptual mediante la exploración de los límites del arte y la crítica del mundo del arte. Más tarde, el artista estadounidense Joseph Kosuth reconoció la relevancia y la importancia teórica de Duchamp para los "conceptualistas" futuros en su ensayo de 1969, Arte después de la filosofía, en el que afirmó: "Todo el arte (después de Duchamp) es conceptual (en naturaleza) porque el arte solo existe conceptualmente. "

Los miembros del movimiento Fluxus ya utilizaban el término "arte conceptual" desde principios de la década de 1960. El objetivo principal del movimiento era romper con la exclusividad del modernismo y promover una actitud abierta hacia el arte. Los artistas involucrados en el movimiento Fluxus estaban interesados en expandir los puntos de referencia de la estética para incluir cualquier cosa, desde un objeto hasta un sonido o una acción. Fluxus es sin duda una de las influencias del arte conceptual, aunque no siempre se le considera parte del movimiento. Fue una tendencia significativa a la par del conceptualismo, y sus practicantes son frecuentemente llamados artistas conceptuales.

En parte como respuesta al formalismo tal como lo describió entonces el famoso crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg, el arte conceptual surgió como movimiento en la década de 1960. Según Greenberg, el arte moderno perseguía el objetivo de establecer la naturaleza formal fundamental de cada medio a través de un proceso de reducción y refinamiento continuo. Los componentes que se oponían a esta naturaleza debían ser minimizados. Por ejemplo, el trabajo de pintar consistía en describir correctamente qué tipo de objeto es una pintura y nada más: qué hace que sea una pintura y nada más.

Otros, incluidos muchos de los propios artistas, vieron el arte conceptual como una ruptura fundamental con el tipo de modernismo formalista de Greenberg. Algunos han sugerido que el arte conceptual extendió esta "desmaterialización" del arte al eliminar por completo la necesidad de las cosas. Los artistas posteriores tuvieron la misma aversión por la ilusión y preferencia por el arte que es autocrítico.

A fines de la década de 1960, era evidente que las reglas de Greenberg para mantener el arte dentro de los parámetros de cada medio y excluir temas extraños ya no eran válidas. En un esfuerzo por socavar la galería o el museo como escenario y árbitro del arte, así como el mercado del arte como propietario y vendedor del arte, el arte conceptual también respondió contra la comercialización del arte.

Arte basado en el lenguaje

La principal preocupación de la primera generación de artistas conceptuales en la década de 1960 y principios de la de 1970 fue el lenguaje. Aunque el uso de texto en el arte no era nada nuevo, no fue hasta la década de 1960 que artistas como Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry y Art & Language comenzaron a hacer arte únicamente a través del lenguaje. Los artistas conceptuales emplearon el lenguaje en lugar del pincel y el lienzo y le dieron la libertad de significar por sí mismo, a diferencia del pasado donde el lenguaje era retratado como un tipo de elemento visual entre otros y subordinado a una composición general (como el cubismo sintético ).

El giro hacia las teorías lingüísticas del significado tanto en la filosofía analítica angloamericana como en la filosofía continental estructuralista y posestructuralista a mediados del siglo XX, según el filósofo y teórico del arte conceptual británico Peter Osborne, fue uno de los muchos factores que influyeron en la gravitación. hacia el arte basado en el lenguaje. Este cambio lingüístico "apoyó y legitimó" la elección de camino de los artistas conceptuales. Los primeros conceptualistas fueron la primera generación de artistas en completar una formación académica en arte basada en un título, según Osborne. En una conferencia pública posterior, Osborne afirmó que el arte contemporáneo es posconceptual. Es un reclamo hecho en relación con la ontología de la producción artística (en lugar de decir en el nivel descriptivo de estilo o movimiento).

Artistas conceptuales famosos

jose beuys

El artista alemán Joseph Beuys (1921 -1986), activo en Europa y Estados Unidos desde la década de 1950 hasta principios de la de 1980, se hizo conocido por su trabajo en los movimientos internacionales de arte conceptual y Fluxus de esa época. El extenso cuerpo de trabajo de Beuys abarca tanto los medios tradicionales como el dibujo, la pintura y la escultura, como el arte de "acción" orientado a procesos o basado en el tiempo, cuya interpretación sugirió cómo el arte puede tener un efecto curativo cuando aborda aspectos psicológicos, sociales. , o cuestiones políticas (tanto del artista como del público).

jose kosuth

Joseph Kosuth (n. 1945) es un artista conceptual y teórico estadounidense. A mediados de la década de 1960, Joseph Kosuth fue uno de los fundadores del arte conceptual, que se convirtió en un movimiento importante que floreció en la década de 1970 y continúa teniendo impacto en la actualidad. Examinó la relación entre las ideas y las imágenes y palabras utilizadas para transmitirlas y fue un pionero en el uso de palabras en lugar de imágenes visuales de cualquier tipo. Ha creado varias instalaciones específicas del sitio desde la década de 1970 que continúan investigando cómo los humanos experimentan, entienden y reaccionan a las palabras.

Sol LeWitt

Sol LeWitt (1928 - 2007) fue una pintora y artista conceptual estadounidense. Debido a su papel protagónico en el movimiento conceptual, se ganó un lugar en los anales de la historia del arte. Su fe en el proceso creativo del artista jugó un papel crucial en el cambio de los períodos moderno a posmoderno. La definición de LeWitt del arte conceptual como un acto intelectual y pragmático proporcionó una nueva faceta al trabajo del artista que fue significativamente distinta del romanticismo del expresionismo abstracto. La obra de arte de LeWitt incluía escultura, pintura y dibujo, además de creaciones prácticamente completamente conceptuales que eran simplemente conceptos o componentes del proceso creativo.

Roberto Smithson

Más artistas jóvenes han sido influenciados por Robert Smithson (1938-1973) que quizás cualquier otro miembro del grupo que se desarrolló en la década de 1960. Era un artista y escritor talentoso cuyos intereses incluían la ciencia ficción, la mineralogía y el catolicismo. Sus primeros trabajos incluyeron collages y pinturas, pero pronto centró su atención en la escultura en respuesta al minimalismo y el conceptualismo de principios de la década de 1960. También comenzó a llevar su arte fuera de las galerías al paisaje.

Damien Hirst

Damien Hirst (n. 1965) es un artista inglés, el ícono del arte de la década de 1990 y uno de los mayores provocadores de finales del siglo XX, así como una figura divisiva en la historia del arte contemporáneo. Charles Saatchi, un magnate de la publicidad que reconoció el potencial de los cadáveres de animales en descomposición de Hirst y le dio un dinero casi ilimitado para continuar, ayudó al joven y esencialmente desconocido artista a ascender lejos y rápidamente.

El tema de la muerte domina muchas de las piezas de Hirst. Se hizo famoso por un cuerpo de trabajo que presentaba animales muertos preservados, ocasionalmente diseccionados, en formaldehído, incluidos un tiburón, una oveja y una vaca. El más conocido de ellos fue un tiburón tigre sumergido en formaldehído de 4,3 m de largo en una vitrina de exhibición de vidrio llamada La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo.

Para un artista vivo, Hirst hizo historia en septiembre de 2008 cuando pasó por alto sus galerías de toda la vida y vendió la totalidad de su exposición, Beautiful Inside My Head Forever, en Sotheby's mediante una subasta. La subasta rompió el récord de una subasta de un solo artista al recaudar £ 111 millones ($ 198 millones).

Walter de María

Walter de Maria (1935 - 2013) fue un escultor y artista conceptual estadounidense. Walter de Maria creó instalaciones escultóricas interactivas y brindó apoyo conceptual para obras escultóricas a mayor escala, uniendo varios grupos de práctica artística que crecieron en popularidad en la década de 1960. En obras posteriores, también creó conexiones entre los espectadores y el mundo natural, ya sea incorporando aspectos visuales en el entorno mismo o integrando elementos naturales en los escenarios de la galería. Sus obras más ambiciosas fueron de gran formato no solo en términos de tamaño físico sino también en términos de duración de exhibición, con algunas décadas duraderas tanto en el interior como en el exterior.

Jenny Holzer

Jenny Holzer (n. 1950) es una artista neoconceptual estadounidense. Su trabajo se centra principalmente en comunicar ideas y palabras en entornos públicos e incluye instalaciones a gran escala, vallas publicitarias, proyecciones en edificios y otras estructuras y pantallas electrónicas iluminadas. La obra de arte basada en texto de Jenny Holzer se puede encontrar en lugares inesperados: en camisetas, vallas publicitarias, parquímetros y letreros LED (el medio de marca registrada de Holzer).

El artista y activista político Holzer quiere evitar que la gente consuma pasivamente información de fuentes desfavorables. La ambición y la escala de su arte, que se ha exhibido en lugares públicos de gran parte del mundo, se han expandido junto con su reputación. Holzer se une a las filas de los antiautoritarios en el arte desde el comienzo del modernismo (que es esencialmente una lucha contra la tradición) hasta el siglo XXI en su fuerte cinismo del poder.

lorenzo weiner

Lawrence Weiner (1942 - 2001) fue un artista conceptual estadounidense y uno de los pioneros del texto como arte durante la era del conceptualismo. Su uso de las palabras es notable por su poesía, su curioso contacto con el mundo real y sus formas visuales distintivas, frecuentemente vibrantes y a menudo humorísticas. El artista de clase trabajadora Weiner consideraba sus pinturas como invitaciones para que los espectadores reevaluaran sus relaciones con el mundo que los rodeaba, particularmente con otras personas y sistemas de poder.

Citas de artistas conceptuales

Sol LeWitt

“En el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma de arte conceptual, significa que toda la planificación y las decisiones se toman de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que hace el arte.”

“Los nuevos materiales son una de las grandes aflicciones del arte contemporáneo. Algunos artistas confunden nuevos materiales con nuevas ideas”.

“Los artistas enseñan a los críticos qué pensar. Los críticos repiten lo que les enseñan los artistas”.

“En el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra”

jose kosuth

“Cualquier cosa puede ser arte. El arte es la relación entre relaciones, no la relación entre objetos.”

“Todo arte (después de Duchamp) es conceptual (en naturaleza) porque el arte solo existe conceptualmente”.

Damien Hirst

“Se necesita un gran ego para ser artista”.

“Los museos son para los artistas muertos. Nunca mostraría mi trabajo en la Tate. Nunca me pondrías en ese lugar.

Walter de María

"Creo que para ser un verdadero minimalista, tú mismo deberías ser casi casi invisible".

"Toda buena obra debe tener al menos diez significados".

Jenny Holzer

“La falta de carisma puede ser fatal”.

“Ser feliz es más importante que cualquier otra cosa”.

“Todas las cosas están delicadamente interconectadas”.

“Eres una víctima de las reglas por las que vives”.

lorenzo weiner

“El único arte que me interesa es el arte que no entiendo de inmediato. Si lo entiendes de inmediato, realmente no tiene ningún uso excepto como nostalgia”.

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El Arte Conceptual contemporáneo es una forma innovadora y provocativa de arte que surgió en la década de 1960. Este tipo de arte se caracteriza por su enfoque en el concepto o idea detrás de la obra de arte, en lugar de sus cualidades estéticas. Los artistas conceptuales utilizan una amplia gama de soportes y materiales para transmitir sus ideas, incluyendo fotografía, video, texto y objetos encontrados. Lo que hace que el Arte Conceptual sea único es su énfasis en los conceptos intelectuales y filosóficos, desafiando a menudo las nociones tradicionales del arte.

Orígenes e Historia

Los artistas conceptuales, liderados por el crítico estadounidense Clement Greenberg, crearon arte que era menos formal que el arte del Expresionismo Abstracto que era popular en ese momento. A los artistas conceptuales no les importaban los colores, las líneas, las técnicas, ni la apariencia del medio o cómo se hizo.

El arte conceptual surgió a mediados de la década de 1960 como una partida radical de las formas tradicionales de arte, y sus orígenes están profundamente arraigados en el clima cultural y político de la época. Rechazando la idea de que el arte debería ser únicamente un objeto para ser admirado o apreciado por sus cualidades estéticas, los artistas conceptuales buscaron desplazar el enfoque del arte desde el objeto material hacia la idea o concepto detrás de él.

Este enfoque para la creación de arte fue una respuesta a las convulsiones culturales y políticas de los años 60, que vieron el surgimiento del movimiento de derechos civiles, las protestas contra la guerra y el cuestionamiento de las estructuras de poder tradicionales. Los artistas conceptuales buscaron desafiar el establecimiento del arte y la comercialización del arte, y crear obras que fueran más accesibles para el público en general.

Uno de los ejemplos más famosos de arte conceptual es "Fuente" (1917) de Marcel Duchamp, que consistía en un urinario firmado con un seudónimo y presentado en una exposición de arte. La obra de Duchamp desafió la noción de lo que se podía considerar arte y allanó el camino para que las generaciones futuras de artistas conceptuales exploraran nuevas formas e ideas.

El arte conceptual ha seguido evolucionando e influyendo en las prácticas de arte contemporáneo, con artistas como Damien Hirst, Jenny Holzer y Ai Weiwei empujando los límites de lo que puede considerarse arte y desafiando a los espectadores a cuestionar sus preconceptos sobre la naturaleza del arte en sí mismo.

Evoluciones de estas obras en el mercado de arte contemporáneo

El arte conceptual contemporáneo ha experimentado una evolución notable en los últimos años. Los artistas están desafiando los límites, cuestionando las normas y creando obras innovadoras que son tanto provocadoras como visualmente impresionantes. Estas obras están adquiriendo una importancia significativa en el mercado del arte contemporáneo, con coleccionistas y entusiastas del arte ansiosos por adquirirlas.

Artistas Famosos Relacionados

El Arte Conceptual Contemporáneo es un género que desafía las convenciones artísticas tradicionales al priorizar las ideas sobre la estética. Varios artistas conocidos han hecho importantes contribuciones a este campo, incluyendo a Jenny Holzer, quien es famosa por usar luces LED para mostrar mensajes provocativos en espacios públicos. Otro artista, Ai Weiwei, es conocido por su comentario social y político, a menudo utilizando materiales como porcelana y madera para crear instalaciones que inviten a la reflexión. Yoko Ono, pionera del Arte Conceptual en los años 60, sigue creando obras que cuestionan las normas sociales y fomentan la participación del público. Damien Hirst, una figura controvertida en el mundo del arte, ha hecho titulares con sus animales disecados y sus cráneos incrustados de diamantes, planteando preguntas sobre la mercantilización del arte. Tracey Emin, una destacada artista feminista, es conocida por sus obras confesionales y autobiográficas, a menudo utilizando luces de neón y bordados para transmitir emociones crudas. Estos artistas son solo algunos ejemplos de aquellos que han empujado los límites del Arte Conceptual, creando obras que desafían y provocan al espectador.

Obras de arte conceptuales contemporáneas originales destacadas

El Arte Conceptual Contemporáneo ha producido varias obras revolucionarias que desafían las nociones tradicionales del arte. Una de estas obras es "Fountain" de Marcel Duchamp, creada en 1917. La obra de Duchamp es un urinario de porcelana volteado al revés y firmado con el seudónimo "R. Mutt". La obra cuestiona el valor y propósito del arte al presentar un objeto cotidiano como una obra de arte.

Otra obra de arte famosa es "One and Three Chairs" de Joseph Kosuth, creada en 1965. La obra consiste en una silla física, una fotografía de la silla y una definición de la palabra "silla". La obra desafía la percepción del espectador sobre la realidad y la relación entre el lenguaje, la imagen y el objeto.

Las "Pinturas de Instrucciones" (1961-62) de Yoko Ono también son piezas importantes en el Arte Conceptual. La obra consiste en una serie de instrucciones escritas para que el espectador las realice, como "Imagina que el cielo está justo frente a ti. Salta y trata de tocarlo". La obra difumina la línea entre el artista y el espectador, convirtiendo al espectador en un participante activo en la creación de la obra de arte.

Las "Wall Drawings" (1968-2007) de Sol LeWitt son otro ejemplo conocido de Arte Conceptual. La obra consiste en un conjunto de instrucciones para crear un dibujo en una pared, que luego es realizada por el artista u otros. La obra enfatiza la idea o concepto detrás de la obra de arte en lugar del objeto físico en sí mismo.

La obra de Tracey Emin "Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995" (1995) es una obra de arte altamente personal que reflexiona sobre las relaciones pasadas de la artista. La obra consiste en una tienda de campaña bordada con los nombres de todas las personas con las que la artista había dormido, incluyendo miembros de la familia. La obra desafía las normas sociales y las convenciones que rodean a la sexualidad y la intimidad.

Estas obras de arte y muchas otras siguen inspirando y desafiando al mundo del arte, empujando los límites de lo que puede ser el arte y el papel del artista en la sociedad.